Diseñadores

 Nacido en Milán en 1918, el afamado diseñador italiano se graduó en la Universidad Politécnica de Arquitectura y Diseño Industrial de su ciudad natal en 1944. Castiglioni ha colaborado con algunas de las firmas de mobiliario italianas más importantes del mundo y su obra refleja el espíritu de la estética del diseño italiano y es especialmente significativa en el campo de la iluminación. Sin embargo, las obras de mayor repercusión serían las realizadas en colaboración con sus hermanos, Livio y Pier, algo que el propio diseñador calificaría como “diseño integral”.

El italiano desarrolló un especial interés por el proceso de experimentación industrial, se centró en la dirección de proyectos de Ordenamiento Urbano, Arquitectura y Diseño, llevando a cabo el análisis y la investigación de métodos, técnicas y materiales nuevos y revolucionarios. Achille Castiglioni fue labrándose un reconocimiento a nivel internacional gracias a sus proyectos de producción en cadena en el campo de la iluminación y del mobiliario, así como por sus instalaciones en todo el mundo.

En 1969, Achille fue nombrado Profesor de diseño industrial artístico, obteniendo la cátedra de la Facultad de Arquitectura de Turín hasta 1980. Además, en 1986 Castiglioni fue nombrado Miembro Honorario de la Faculty of Royal Designers for Industry de la Royal Society of Arts en Londres. El prestigioso MoMA de Nueva York cuenta con 14 obras de Castiglioni como parte de su colección permanente, la trayectoria del italiano ha sido valorada con numerosos premios y reconocimientos, como el ilustre Compasso d’Oro con el que ha sido galardonado en 9 ocasiones.

Arne Jacobsen fue una figura de gran prestigio internacional que logró fusionar los ideales modernistas con el amor por el naturalismo tan característico del diseño nórdico. Jacobsen fue todo un genio del art nouveaux y su obra no dejó indiferente a nadie. Nacido en 1902 en Copenhague, estudió en la Facultad de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes en su país natal donde se interesó por el trabajo de los arquitectos y diseñadores más influyentes de la época.

Jacobsen es reconocido mundialmente por su obra en el campo del diseño de interiores, mobiliario, porcelanas y textiles y ha sido alabado por su estilo único y la original combinación de forma y función de su obra. Muchas de las piezas de Jacobsen alcanzaron un estatus icónico durante su vida, incluso llegando a estar presente en la gran pantalla en la película 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick.

El uso que hacía Jacobsen de las formas orgánicas y la inconfundible estética minimalista de sus diseños le valió el reconocimiento mundial, fue galardonado con el Premio de Diseño Internacional de la Sociedad Norteamericana de Diseñadores de Interiores en 1968, el ID-prize de la Sociedad Danesa de Diseño Industrial y la Trienal XI de Milán en Italia.

Nacido en Aalborg en 1914, Børge Mogensen desempeñó un papel esencial en dar a conocer el diseño danés a nivel internacional. Junto con otros diseñadores de la talla de Arne Jacobsen y Hans Wegner, Mogensen consiguió que el diseño de mobiliario danés se ganara su hueco en todo el mundo. Sus diseños sencillos y funcionales han gozado de una popularidad mundial durante más de medio siglo.

Mogensen comenzó su trayectoria como ebanista y esto explica el respecto hacia los valores del diseño tradicional, no obstante, el danés incorporó una visión y estilo modernistas que daría lugar a su estilo único y característico. La funcionalidad y la interacción entre el mobiliario y sus usuarios. Esta ética del diseño es palpable en la obra de Mogensen.

Expuesta en numerosos museos y galerías en todo el mundo, la obra del danés fue reconocida con el Honorary Royal Designer for Industry en Londres en 1972.

Eames nació en St. Louis, Missouri y es considerado uno de los diseñadores más influyentes del siglo XX. Reconocido en todo el mundo como quizá el mejor diseñador de su generación, el trabajo de Eames recibió la influencia de su tío, el gran arquitecto William S. Eames.

Eames estudió arquitectura en la Washington University en St. Louis, aunque no empezaría a poner en práctica sus ideas hasta que comenzó a trabajar para Laclede Steel Company en su ciudad natal. Este trabajo le brindó la oportunidad de ampliar sus conocimientos en el campo de la ingenieria, la arquitectura y el diseño, aprendiendo técnicas de moldeado y tratamiento de materiales por las que luego sus creaciones se harían famosas en todo el mundo.

Tanto Charles como su esposa Ray han sido alabados a nivel internacional, en particular por su trabajo en el campo del diseño de mobiliario moderno. Ambos colaboraron en numerosos proyectos, consiguiendo el AIA Twenty-five Year Award en 1977 y el Royal Gold Medal Award en 1979, tan sólo un año después de que Charles falleciera. Su trabajo forma parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York, en 1985 IDSA nominó a Eames como “El diseñador más influyente del siglo XX”.

Venerado como uno de los pioneros de la arquitectura moderna, Charles Le Corbusier nació en Suiza en 1887. Su influencia como arquitecto, diseñador, urbanista y escritor es incuestionable, con proyectos y obras en todo el mundo, recorriendo la geografía Europea, Americana y Asiática.

Le Corbusier se dedicó a mejorar las condiciones de vida de los residentes de ciudades superpobladas y aplicó esta ética al diseño de mobiliario. Le Corbusier estaba obsesionado con crear piezas que tuvieran la forma, silueta y actitud del cuerpo humano en cuenta, sobre todo, la relación entre proporción y armonía.

Esta ideología y la aplicación de sus conocimientos en el campo de la arquitectura se materializan en el mobiliario de Le Corbusier. Galardonado con la Medalla de Frank P. Brown y la medalla de oro del AIA en 1961, el trabajo de Charles Le Corbusier ha sido reconocido a nivel internacional y en su país natal, de hecho su imagen aparecen en el billete de diez francos suizos.

Venerado como uno de los diseñadores más vanguardistas de su generación, Eero Aarnio nació en Helsinki, Finlandia, en 1932. Al poco tiempo de graduarse en el Instituto de Artes Industriales de su país natal, Aarnio comenzó a hacerse un hueco en el mundo del diseño de mobiliario gracias a su impresionante visión modernista.

Inspirado por la naturaleza y las formas orgánicas, la obra de Aarnio se convirtió en un aspecto esencial de la cultura popular de la década de los 60. Los diseños del finlandés presentaban un estilo único y original que sigue siendo alabado a día de hoy por críticos y Museos de Arte Moderno de todo el mundo. Aarnio se dejó cautivar por el movimiento psicodélico del Pop Art de los años 60, dándole su toque personal que constituye el sello distintivo de su obra.

Los diseños de Aarnio son conocidos en todo el mundo y han aparecido en numerosas publicaciones y en la gran pantalla, sobre todo en películas de ciencia ficción. Un hecho culminante en la vida del diseñador finlandés fue recibir el prestigioso premio de la American Industrial Design en 1968.

Venerada como una de las pioneras del Modernismo en el campo de la arquitectura y el diseño, Kathleen Eileen Moray Gray nació en el seno de una familia aristocrática cerca de Enniscorthy, una ciudad de comerciantes en el sudeste de Irlanda. Desde muy temprana edad sus padres comenzaron a motivar sus dotes artísticas y acudió con su padre a exposiciones de pintura en Italia y Suiza.

Gray se dejó cautivar por la filosofía del Art Nouveau mientras cursaba sus estudios en la Slade School of Fine Art en Londres. La irlandesa fue seguidora acérrima de la obra de Glaswegian Charles Rennie Mackintosh una influencia que se dejaría notar en su obra.

Tras pasar la mayor parte de su vida en París y en el sur de Francia, los diseños de Eileen Gray han sido alabados en todo el mundo como clásicos del diseño moderno. La revista Vogue y Yves Saint Laurent son conocidos seguidores de su trabajo. Una muestra más de que su obra sigue siendo valorada a día de hoy es que recientemente una de sus piezas fue subastada en París por 21.9 millones de euros, batiendo un récord en el campo del diseño.

 Reconocido como uno de los maestros de la arquitectura y el diseño en Estados Unidos en el siglo XX, Saarinen nació en Finlandia antes de mudarse a Michigan con su familia a la edad de 13 años. En sus inicios, la influencia de su padre era palpable en su obra aunque conseguiría desarrollar un estilo propio que era sumamente versátil y sabía adaptarse a las necesidades de cada proyecto en particular.

La visión modernista de Saarinen se fundamenta en la diversidad cultural de su entorno que se vio incrementada tras sus viajes al Norte de África, el estudio de la escultura en la Académie de la Grande Chaumière en París y sus estudios en arquitectura en la Universidad de Yale. Venerado por su trabajo en colaboración con Charles Eames, Saarinen es reconocido a nivel internacional por el planteamiento del Swedish National Theatre en Helsinki and su diseño del Aeropuerto internacional Washington Dulles.

Finn Juhl es una de las figuras de mayor relevancia del diseño danés y está considerado como el creador de la “Danish Modern” en la América de los años 40. Estudió arquitectura en la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague y trabajó posteriormente para Vilhelm Luritzen donde diseñó, entre otros, gran parte del mobiliario de Radio Dinamarca.

A pesar de haber completado su formación con prestigiosos arquitectos, Finn Juhl siempre afirmó que en todo lo referente al diseño de mobiliario era un autodidacta.

Con su proyecto de diseño de la sala de conferencia del Consejo de Administración Fiduciaria de las Naciones Unidas en Nueva York (regalo de Dinamarca para las Naciones Unidas) alcanzó finalmente la fama internacional. Las creaciones de Finn Juhl están impresas en la historia del diseño danés y varios de sus diseños forman parte hoy en día entre los mejores clásicos del diseño escandinavo.

Florence Marguerite Knoll Bassett, nacida Schust (Saginaw, Michigan, 24 de mayo de 1917 – Coral Gables, 25 de enero de 2019) 1fue una arquitecta y diseñadora de muebles estadounidense.

Estudió con Mies van der Rohe y Eliel Saarinen y creó el nuevo modelo de oficina moderna en los Estados Unidos de la posguerra. La compañía creada con su esposo, Knoll Associates, llegó a ser líder en innovadores diseños interiores y muebles modernos en los años 50 y 60.

Su idea de “total look” favorecía los espacios de trabajo abiertos donde trataba de integrar, de forma más arquitectónica que decorativa, elementos como muebles, iluminación, colores vibrantes, estructuras acústicas o sillas moldeadas como pétalos de tulipanes y patas cromadas.

Grant Featherston (1922-1995) nació en Geelong Victoria. Autodidacta, se dedicó a diseñar lámparas y paneles de vidrio antes de servir en el ejército desde 1940 hasta 1944. Al volver a Melbourne produjo la primera de sus famosas sillas Contour en 1951.

Grant fue uno de los miembros fundadores de la “Society of Designer for Industry” y el precursor del Instituto de Diseño de Australia.

 Nacido en el sur de Dinamarca en 1914, Hans Jørgensen Wegner es una figura esencial para entender la popularidad del diseño danés de mediados de siglo. Tras unos años como aprendiz en una ebanistería, Wegner acudió a la Escuela de Artes y Oficios y a la Academia de Arquitectura de Conpenhague. El estilo y la visión de Wegner suele describirse como funcionalidad orgánica, un enfoque modernista que hace especial hincapié en la funcionalidad.

El legado del danés es célebre en todo el mundo por su enfoque en el diseño de sillas, experimentó con formas minimalistas superponiendo varios marcos. El propio Wegner describió este proceso creativo como un modo de “desnudar a las sillas de su estilo externo y dejar que aparezca su esencia pura”.

Wegner recibió varios galardones por sus obras, como el premio Lunning en 1951 y el Gran Prix en la Trienal de Milán en el mismo año, además de la Medalla del Príncipe Eugen en Suecia y la Medalla Eckersberg en Dinamarca. En 1959, fue envestido Diseñador Real por la Royal Society of Arts en Londres, sus obras forman parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York y el Die Neue Sammlung en Munich.

Nacido en San Lorenzo, Italia, en 1915, Bertoia tomó la decisión de mudarse a Estados Unidos a los 15 años donde consiguió una beca para estudiar en Cranbrook Academy of Art. Artista, escultor y diseñador de mobiliario, Bertoia fue reconocido a nivel internacional durante su brillante, aunque también polémica, trayectoria.

El estilo y la genialidad de Bertoia son más que evidentes en su obra en las que sus dotes como escultor se ven incorporadas en su diseño de mobiliario. El estudio de los materiales y de las técnicas de producción también eran rasgos intrínsecos del proceso de producción y diseño del italiano cuya obra acababa con los convencionalismos tradicionales en el mundo del diseño de mobiliario. El italiano describe su colección de sillas de alambre como sigue: “Si nos fijamos en esas sillas, son principalmente de aire, como la escultura. El espacio pasa a través de ellas”.

A pesar de su origen italiano, la obra de Bertoia el venerada en Estados Unidos y ha sido expuesta en Addison Gallery of American Art en Massachusetts, el Brooklyn Museum, el Hirshhorn Museum & Sculpture Garden en Washington y el Philadelphia Museum of Art, entre otros muchos.

Nacido en California, Noguchi se convirtió en uno de los escultores más aclamados por la crítica del siglo XX. Fue aprendiz del escultor Gutzon Borglam (el creador del Monte Rushmore National Memorial) antes de asistir brevemente a la Universidad de Columbia como estudiante premédico. Su amor por el arte prevaleció y se fue de Columbia, en lugar de tomar clases nocturnas en la Escuela de Arte Leonardo da Vinci. Después de solo tres meses realizó su primera exhibición de esculturas de yeso y terracota y luego trabajó en comisiones para retratos de retratos, además de ganar la Medalla Logan de las Artes.

Durante su fascinante vida, Noguchi tuvo una breve relación con Frida Kahlo y fue acusado por el FBI de espionaje, cuya investigación terminó cuando la Unión Americana de Libertades Civiles intervino.

Principalmente escultor, Noguchi también trabajó en otros proyectos de arte, produciendo escenografías para Martha Graham y Merce Cunningham, y creando diseños de muebles. En 1947 se unió a George Nelson, Paul László y Charles Eames. Produjeron un catálogo de muebles modernos que incluía la icónica mesa Noguchi. En 1987 fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes.

Hijo de un diseñador y una pianista, Prouvé creció rodeado de los ideales del colectivo de artistas de l’École de Nancy. Su padre, que estaba muy involucrado en dicho movimiento, ejercería una influencia innegable en su obra y en su ideología que se centraba en hacer el arte accesible y desarrollar la relación entre el arte y la industria, un concepto más que evidente en su obra.

Poruvé comenzó trabajando como herrero en su ciudad natal tras dejar el colegio. El francés fue autodidacta y su aprendizaje en el campo de la arquitectura y el diseño que se vería influenciado por sus conocimientos sobre los materiales.

Afamado por su diseño industrial y estructural, la obra de Prouvé lo ha situado como uno de los diseñadores más venerados de toda su generación. Alabado en todo el mundo por las formas únicas de sus piezas, la obra de Prouvé ha sido expuesta en el Musée des beaux-arts y el Musée de l’Histoire du Fer en Nancy.

 Josef Hoffmann nació en Moravia (actual República Checa) en 1870. Estudió arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Viena y en 1898 su propio estudio.

Entre 1899 y 1936 impartió clases en la academía y al mismo tiempo diseñó casas e interiores para muchos artistas contemporáneos. Hoffman utilizó con frecuencia formaciones cúbicas para sus creaciones e impuso estándares fundamentales para el diseño de muebles modernos.

Reconocido intencionalmente como uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna, Ludwig Mies van der Rohe fue el padre de la escuela Bauhaus, un movimiento que se caracterizaba por su visión modernista y su original estilo de expresión artística. Nacido en 1886 en Aachen, Alemania, Mies pretendía establecer un estilo arquitectónico innovador que representara la era moderna, tal y como lo hicieron en su propia época el estilo Clásico o el Gótico. Van der Rohe forjó un estilo arquitectónico influyente que sería toda una inspiración en el siglo XX y cuyos rasgos elementales eran su extrema sencillez y claridad.

inculado a la idiosincrasia del “menos es más”, las obras de Ludwig Mies van der Rohe tienden a la simplicidad y se caracterizan por una apariencia sencilla que alberga una belleza única. Su trabajo se extiende en el campo de la arquitectura y del diseño de mobiliario, el alemán se instaló en Estados Unidos y allí desarrollaría la mayor parte de su carrera hasta el año 1969 cuando falleció en Chicago.

El legado de van der Rohe sigue vigente hoy día y su obra es reconocida y alabada en todo el mundo. En 1968 la dirección del MoMA de Nueva York crearía el Archivo de Ludwig Mies van der Rohe, una sección independiente en el departamento de arquitectura y diseño. El edificio de la Galería Nacional de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Houston son parte del legado de este célebre arquitecto, herencia viva de su estilo y relevancia.

 Nacido en París en 1949, Philippe Patrick Starck es venerado en todo el mundo por su estilo contemporáneo, su versatilidad y su visión innovadora que abarca numerosos sectores, proyectos y diseños.

Starck estudió en la Ecole Nissim de Camondo en París e inició su trayectoria profesional ganando el prestigioso galardón La Vilette en 1965 en la categoría de diseño de mobiliario. El francés demostró su instinto empresarial al abrir una compañía para el diseño y la producción de objetos hinchables, unos años más tarde montaría Starck Products en 1980 que marcó un hito en su carrera.

Algunos de los momentos cumbres de su trayectoria fueron el proyecto de decoración del Café Costes en París y su etapa como Director Artístico para Pierre Cardin. En 1980 llegaría al punto álgido de su carrera al ser designado para decorar las habitaciones privadas del Presidente François Mitterrand en el Palacio del Elíseo.

Piet Hein nació en Dinamarca en 1905. Padre ingeniero y madre oftalmóloga, creció en Copenhague y obtuvo un certificado de la escuela metropolitana de gramática antes de estudiar filosofía en la Universidad de Copenhague en 1924. Probablemente las obras más conocidas de Piet Hein son sus “Grooks”.

Piet Hein no tenía demasiado claro qué dirección tomar en su vida y, a la edad de 19 años, decidió abandonar la universidad para estudiar, durante un breve periodo de tiempo, en la escuela de arte privada. Posteriormente asistió a la Real Academia Sueca de Bellas Artes de Estocolmo antes de regresar a la Universidad de Copenhague en Dinamarca.

El diseñador, autor, arquitecto y crítico, Poul Henningsen nació en una familia de la clase intelectual y superior en 1984 en Dinamarca. Famoso por su innovador diseño de iluminación, Henningsen era también una de las principales figuras de la cultura en Dinamarca entre las dos guerras mundiales.

Inspirado por la naturaleza y la forma, el estilo de diseño de Henningsen era a la vez único y provocador. Él no creía en lo mundano y obvio, en su momento indicó: “Todo el arte político es malo -. Todo buen arte es político”.

Popular en todo el mundo, el trabajo de Poul Henningsen se mantiene de manera notable dentro de varias colecciones de diseño del siglo 20, entre ellas la del Museo Metropolitano de Nueva York. Henningsen también recibió el prestigioso honor de diseñar una pieza de Tivoli Gardens en Copenhague.

 Venerado en todo el mundo por su estilo único, Poul Kjaerholm nació en Øster Vrå, Dinamarca en 1929. Sus piezas presentan un diseño articulado y minimalista y, sobre todo, un estilo único y característico que sigue siendo alabado a nivel internacional hoy día.

Kjaerholm comenzó trabajando como aprendiz para Gronbech en 1984 y más tarde acudió a la Escuela de Arte y Oficios en Copenhague. Un rasgo que le separaría de la mayoría de los diseñadores escandinavos fue el uso del acero como material principal para su obra en lugar de la madera. “No sólo me interesa el potencial constructivo del acero, la refracción de la luz en su superficie es también un rasgo importante de mi trabajo”.

Galardonado con el Lunning Award y el Grand Prize en la Triennale di Milano en 1958 y 1969 respectivamente, los diseños de Kjaerholm forman parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York, el Victoria and Albert Museum de Londres y en numerosas galerías de arte en Dinamarca, Noruega, Suecia y Alemania.

 Poul Volther procede de una escuela arquitectónica que se inspira en los Artes y Oficios en el que el proceso de fabricación es tan importante como el producto final. Defendió el funcionalismo.

Pasó gran parte de su vida como profesor en la Escuela Danesa de Artes y Oficios donde había obtenido el título de maestro carpintero. Allí fue capaz de transmitir la importancia de la artesanía de calidad en varias generaciones de diseñadores daneses.

Su mayor éxito fue la silla Corona que fue utilizada en Copenhague por los líderes europeos en la cumbre de la Unión Europea en el año 2002.

Verner Panton fue un diseñador industrial danés que se ha ganado un hueco en el top ten de los diseñadores industriales más importantes de la historia (especialmente en el diseño de mobiliario de finales del siglo XX) mediante sus innovadores y futuristas diseños que se caracterizaban por el uso de las líneas curvas, el plástico y la utilización de colores brillantes.

La mayor parte de sus diseños continúan siendo producidos y mantienen su posición de best sellers a día de hoy.

Warren Platner, en realidad Joseph Warren Platner, (1919, Baltimore, Maryland – 2006, New Haven, Connecticut, EE.UU.) fue un arquitecto norteamericano, diseñador de mobiliario y de interiores.

Warren Platner produjo una colección de muebles que han resultado ser unos iconos constantes del Movimiento Moderno de los años 60.

Sus diseños sofisticados y prácticos sentaron las bases de la elegancia moderna y sus asientos de varillas de acero para la firma Knoll International son un clásico.

“Todos queremos diseñar un clásico, pero un clásico solo lo es cuando gusta cada vez que se contempla, se acepta como es y no puede mejorarse”. Esta frase de Warren Platner se ha convertido en un dogma para los creadores contemporáneos.

Se licenció en arquitectura en 1941 en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York), lo que fue su llave para entrar en algunas de las oficinas de arquitectura más importantes y famosas de Estados Unidos.

Así por ejemplo, entre 1945 y 1950 trabajó con Raymond Loewy, autor de la máquina dispensadora de Coca-Cola o de las oficinas del Apollo y Skylab de la Nasa, y con Ieoh Ming Pei, que firmó la Biblioteca JFK en Boston.

En 1955 recibió el Premio de Roma en arquitectura. Este premio se creó en 1663 como premio anual que se concedía a jóvenes pintores, escultores y arquitectos, y consistía en una estancia de cuatro años en la Academia de Francia en Roma.

A las competiciones iniciales de pintura, escultura, arquitectura y grabado, se unió en 1803 la de composición musical. Durante 300 años, fue el máximo galardón que un artista de cualquier país podía recibir y fueron otorgados hasta el año 1968.

En 1967 Warren Platner abrió su propia firma, Warren Platner Associates, en New Haven (Connecticut), mientras él residía en Guilford.

Desde 1960 a 1965 Warren Platner fue también parte de la oficina de Eero Saarinen y participó por ejemplo en los diseños para el Aeropuerto Internacional Dulles en Washington, D.C.; el Repertory Theatre en el Lincoln Center; la sede mundial John Deere & Company y nuevas habitaciones para la Universidad de Yale.

De Eero Saarinen heredó el sentido aerodinámico y escultórico de la curva. “Concibo los edificios como un objeto en el paisaje, pero este debe ser el envoltorio de un espacio interior proyectado para que la gente lo disfrute, con unos diseños que les atraigan para quedarse en él, que les sea práctico, donde puedan ser más productivos y, en definitiva, más felices”, explicó en su día Warren Platner.

Consideraba que si no cumplía estos requisitos, por magnífico que fuese, nunca sería efectivo. Así nos dejó en Nueva York, el estado donde desarrolló sus trabajos más importantes, lugares como las oficinas de la Ford Foundation; el Georg Jensen Design Center o el desaparecido restaurante Windows on the World (1976), entre las plantas 106 y 107 del World Trade Center.

Mientras trabajaba en las firmas de Saarinen y Kevin Roche -a principios y mediados de 1960- continuaba trabajando en uno de estos interiores prominentes: las oficinas centrales para el edificio de la sede de la Fundación Ford, en 320 East 43rd Street, cerca de Second Avenue en Manhattan.

Diseñado por Kevin Roche y abierto en 1967, su construcción de acero, granito y cristal, con su jardín central, simbolizaba la visión optimista y confiada de la sociedad norteamericana, producto de los numerosos programas sociales contra la pobreza promovidos por el presidente Lyndon B. Johnson y los demócratas en el Congreso de los Estados Unidos.

Todas estas medidas trataban de construir una gran sociedad (The Great Society) : una nación donde la igualdad de oportunidades y una alta calidad de vida fueran el patrimonio de todos.

En 1965 había muchas razones para sentirse optimista acerca del futuro de la nación, ya que la pobreza descendía y los estadounidenses gozaban de una mayor prosperidad y mejor educación que en cualquier otro período anterior de su historia.

Poco parece estar grabado sobre el diseñador de la gama Tolix icónico, Xavier Pauchard. Sabemos que nació en Le Morvan, Francia en 1880 y que trabajaba como techador zinc con su padre y su abuelo.

Después de la Primera Guerra Mundial, él estaba a cargo de un fabricante de chapa galvanizada, donde produjo artículos para el hogar, y descubrió que podía proteger láminas de metal se oxide por inmersión en zinc fundido. Este fabricante produce artículos domésticos, y en 1934 bajo la acusación de Pauchard, había producido la primera silla Tolix.

La popularidad de esta silla floreció, junto con otros diseños Tolix. La silla Tolix populares se pueden encontrar en fábricas, oficinas, cafés e incluso en un barco!

Los Muebles de Diseño Italiano destacan por su originalidad y elegancia.

La combinación de diferentes materiales en su fabricación (metal, madera, cristal, etc.) permiten crear diseños espectaculares.